La relación entre fotografía y arte comenzó en el último tercio del siglo XIX. Platinotipos, colodiones, albúminas y la plata sobre gelatina fueron el medio de trabajo de un grupo que, por su búsqueda fotográfica de referencias plásticas, fue identificado como los Pictorialistas.

Edward Steichen, Fred Holland Day, Julia Margaret Cameron, entre muchos otros, echaron mano de ambientaciones nostálgicas para replicar el difuminado de la técnica impresionista. El monumento a Balzac o Eva del escultor francés Auguste Rodin, bajo la óptica de Steichen, se convertían en «una obra de arte a partir de la obra de arte».

Fue en aquel contexto que diversos fotógrafos comenzaron a retratar los diseños exclusivos de Charles Frederick Worth, considerado el padre de la moda, y así nació una relación indisoluble entre fotografía, moda y arte.

Vogue Like a Paiting, curada por Debra Smith y compuesta por 65 fotografías procedentes de los archivos de la revista Vogue, es el resultado de aquellas referencias históricas y culturales que en esta exposición destacan el trabajo de grandes fotógrafos en la industria de la moda.

Presentada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid en 2015 y en la Galería Kunstforeningen GL STRAND de Copenhague en 2018, llega al Museo Franz Mayer para ofrecer al público mexicano un acercamiento a la imagen fotográfica como evocación a la pintura del Renacimiento, el Barroco, el Impresionismo y las Vanguardias.

La exposición está organizada en torno a grandes géneros y momentos en la historia de la pintura: retrato, paisajismo, Rococó, naturaleza muerta y arte moderno del siglo XX.

Entre los grandes maestros que inspiraron esta curaduría se puede citar a Hopper, Millais, Botticelli, Zurbarán, Hogarth, Rossetti y Magritte. Asimismo, se pueden apreciar referencias directas a los retratos prerrafaelitas o a piezas icónicas de la historia del arte como La chica de la perla de Erwin Blumenfeld, versionando la famosa Joven de la perla de Vermeer; los bodegones de Grant Cornett o las instantáneas de Peter Lind­bergh, inspiradas en cuadros de Paul Gauguin y de artistas de las Vanguardias del siglo XX.

Vogue fue, desde las primeras décadas del siglo pasado, el escenario donde convivían las exigencias comerciales con la vanguardia, del que da cuenta el trabajo de los fotógrafos incluidos en esta exposición, desde los clásicos Edward Steichen, Cecil Beaton, Horst P. Horst o William Klein, hasta los contemporáneos como Peter Lindbergh, Paolo Roversi, Tim Walker y la célebre fotógrafa de celebridades Annie Leibovitz.

Esta muestra también incluye fotografías de Erwin Blumenfeld, autor de las portadas más icónicas de Vogue, así como Deborah Turbeville, Glen Luchtford, Michael Thompson, Erwin Olaf, Harley Weir, Clifford Coffin, Mert Alas y Marcus Pig­gott, Steven Klein Sheila Metzner, Santiago y Mauricio, Nick Knight, entre otros artistas de la lente, cuyas obras forman parte de la historia del arte contemporáneo.

En la edición mexicana, se incorporan por primera vez, vestidos de los célebres diseñadores Alexander McQueen, Nina Ricci, Christian Lacroix, Comme des Garçons e Issey Miyake. En diálogo abierto entre fotografía y pintura, las prendas hacen alusión a los volúmenes y texturas presentes en las fotografías.

RETRATO

La primera sala de esta muestra explora la influencia del género del retrato en la fotografía de moda. Las imágenes se inspiran en diferentes periodos de la historia del arte, empezando por el Renacimiento temprano, luego en los periodos del Barroco y el Rococó, hasta llegar al Expresionismo Austriaco de comienzos del siglo XX.

Las imágenes toman prestado el trabajo de artistas como Pisanello, Sandro Botticelli, Francisco de Zurbarán, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jan van Eyck, Johannes Vermeer, John Singer Sargent y Egon Schiele, entre otros, y siguen la evolución del retrato desde su intención inicial por documentar los rostros de la aristocracia, la nobleza y las figuras religiosas –así como su grandiosidad, divinidad e importancia–, hasta su interés por mostrar el mundo interior y la psicología de los sujetos a través de la línea, el trazo y el color.

NATURALEZA MUERTA

La naturaleza muerta aparece como género pictórico en Holanda durante el Barroco, una época de creciente urbanización. Este tema muestra la importancia que se le daba al hogar y a las posesiones, así como al comercio, al aprendizaje y a otros aspectos de la vida cotidiana.

En algunos casos la naturaleza muerta servía a los artistas como estudio de luz y forma, en otros, adquiría simbolismo y buscaba representar la transitoriedad de la belleza y la decadencia natural de las cosas. La obra de artistas como Jan Brueghel, el Viejo, Jan Brueghel, el Joven, Ambrosius Bosschaert, Vincent van Gogh, Michelangelo Merisi da Caravaggio, Henri Fantin-Latour, Paul Cézanne y Salvador Dalí sirven de inspiración para los bodegones de la muestra.

En el contexto de las publicaciones de moda, los bodegones se utilizan para ilustrar artículos de belleza y estilo de vida, y para agregar un carácter artístico a las fotografías de producto. Sin embargo, la precisión necesaria para lograr una buena composición y la libertad creativa que estas imágenes permiten, dan lugar a fotografías que ejemplifican el estilo, el ingenio y la cualidad técnica de los artistas detrás de la lente.

ROCOCÓ

No resulta sorprendente que el Rococó funja como inspiración para la fotografía de moda. Conocido por el rebuscamiento de las formas, el uso de tonos pastel, el oro y el tratamiento de los temas de la juventud y el amor, el Rococó encarna la búsqueda de la moda por capturar la juventud y por presentar paisajes y situaciones idílicas en las páginas de las revistas.

Los interiores sobrecargados y los colores pasteles, tanto en el maquillaje como en la indumentaria de las imágenes de la exposición, nos transportan a la época de Luis XVI, a los salones de Versalles, a los amoríos de mujeres como Madame de Pompadour y al trabajo de artistas como Jean-Marc Nattier y Jean-Antoine Watteau.

PAISAJISMO

En ocasiones inspirados por la técnica del artista, en otras por la composición o el motivo de la obra, los fotógrafos de Vogue Like a Painting retoman al paisajismo como género, y recorren su evolución dentro de la historia del arte de manera directa o intuida.

Uno reinterpreta El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli; otro los paisajes bucólicos de Jean-Honoré Fragonard; otros más el Impresionismo de Édouard Manet y Joaquín Sorolla; la ornamentación de los Prerrafaelitas como, por ejemplo, John Everett Millais; o el expresionismo de Gustav Klimt, para crear imágenes que permanecerán en la memoria del espectador sin importar cuándo fueron publicadas.

ARTE MODERNO DEL SIGLO XX

La última sección de la muestra contiene fotografías que, lejos de ser interpretaciones directas de obras existentes, se inspiran en las corrientes artísticas del siglo XX y se han convertido en imágenes icónicas que enfatizan el carácter estético de la moda.

El Surrealismo, el Cubismo, la corriente de la Bauhaus, el Expresionismo abstracto, el Modernismo americano y el Pop Art sirven de punto de partida para la creación de estas imágenes.

La exposición estará abierta al público del 12 de julio al 15 de septiembre, de martes a domingo de 10 a 17 horas.

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The relationship between photography and art began in the last third of the nineteenth century. Platinotypes, collodion-on-paper, albumen prints, and silver gelatin prints were the media used by a group identified with the Pictorialists in their quest for visual references.

Edward Steichen, Fred Holland Day, Julia Margaret Cameron, and many others made use of nostalgic settings to replicate the soft focus of the Impressionist technique. The Monument to Balzac or Eva by French sculptor Auguste Rodin, through the lens of Steichen, became “a work of art based on the work of art.”

In this setting a variety of photographers began to portray the exclusive designs of Charles Frederick Worth, considered the father of fashion, giving birth to the enduring relationship intertwining photography, fashion, and art. 

Vogue Like a Painting, curated by Debra Smith and comprised of 65 photographs from the archives of Vogue magazine, is the result of the historical and cultural references in this exhibition spotlighting the work of great photographers in the fashion industry.

On display at the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid in 2015 and at the Kunstforeningen GL STRAND Gallery in Copenhagen in 2018, its arrival at the Franz Mayer Museum invites the Mexican public to approach the photographic image as an evocation of Renaissance, Baroque, Impressionist, and avant-garde painting.

The exhibition is organized around major genres and moments in the history of painting: portraiture, landscape, Rococo, still lifes, and twentieth-century Modern art.

Among the great masters who inspired this selection are Hopper, Millais, Botticelli, Zurbarán, Hogarth, Rossetti, and Magritte. Furthermore, direct references to Pre-Raphaelite portraits can be traced and to iconic pieces in Art History, such as Erwin Blumenfeld’s Girl with a Pearl Earring, adapting Vermeer’s renowned image of the same name; Grant Cornett’s still lifes and Peter Lind­bergh’s Polaroids, inspired by canvases by Paul Gauguin and twentieth-century avant-garde artists.

From the early decades of the twentieth century, Vogue was the setting where commercial demands intermingled with the avant-garde, which can be seen in the work of photographers showcased in this exhibition, from the classics such as Edward Steichen, Cecil Beaton, Horst P. Horst, and William Klein, to contemporary visionaries such as Peter Lindbergh, Paolo Roversi, Tim Walker, and acclaimed celebrity photographer Annie Leibovitz.

This exhibition also includes photos by Erwin Blumenfeld, the creator of Vogue’s most iconic covers, as well as Deborah Turbeville, Glen Luchtford, Michael Thompson, Erwin Olaf, Harley Weir, Clifford Coffin, Mert Alas, and Marcus Pig­gott, Steven Klein Sheila Metzner, Santiago & Mauricio, Nick Knight, among other artists of the lens, whose works are an integral part of contemporary Art History.

The Mexican version of the exhibition incorporates the couture of the celebrated fashion designers and labels Alexander McQueen, Nina Ricci, Christian Lacroix, Comme des Garçons, and Issey Miyake. In an open dialogue between photography and painting, the garments allude to the volumes and textures evoked in the photos.

PORTRAITURE

These rooms of the exhibition explore the influence of portraiture in fashion photography. The images are inspired by various artistic periods within the evolution of portraiture in art history, beginning with the early Renaissance, passing through the Baroque and Rococo periods and ending with the style of the Austrian Expressionist movement of the early twentieth century.

The images borrow the elements present in the work of different artists such as Pisanello, Sandro Botticelli, Francisco de Zurbarán, Jean-Auguste-Dominque Ingres, Jan van Eyck, Johannes Vermeer, John Singer Sargent, Egon Schiele, and many others, and follow the evolution of portrait from its initial intention to document the faces of aristocracy, nobility and religious figures – as well as their grandeur, divinity and importance – to its interest in showing the inner world and psychology of subjects through line, stroke and color.

STILL LIFE

Still life appears as a pictorial genre in Holland’s Baroque period in a time of increasing urbanization. The genre shows the importance given, at the time, to one’s home and possessions, as well as the importance of trade, knowledge and other aspects of everyday life. For some artists, still life functioned as a study on light and form, but for others, it was imbued with symbolism and seeked to represent the transience of beauty and the natural decay of things. The work of artists such as Ambrosius Bosschaert, Michelangelo Merisi da Caravaggio, Paul Cézanne and Salvador Dalí, amongst others, serves as inspiration for the still lives presented here.

Within the context of fashion publications, still lives are used to illustrate beauty and lifestyle articles or to add artistry to product shots, where they exemplify the style, wit and technical precision of the photographers behind the lens.

ROCOCO

That the Rococo period would have an influence in fashion photography is not surprising. Known for its formal saturation, its use of pastel colors, gold, and subject matter that touches on youth and love, Rococo embodies fashion’s pursuit to capture youth and present idyllic landscapes and situations in its images.

The overloaded interiors and pastel colors of both the makeup and styling present in these photographs transport us to the time of Louis XVI, to the salons of Versailles, the love affairs of women like Madame de Pompadour and the work of artists such as Jean-Marc Nattier and Antoine Watteau.

LANDSCAPE

Inspired, either intuitively or directly, by the technique, composition or motif of landscape painting, the photographers of Vogue Like a Painting explore different aspects of this genre throughout history.

One photographer reinterprets Sandro Botticelli’s Birth of Venus, another the bucolic landscapes of Jean-Honoré Fragonard, others still the ornamental paintings of the Pre-Raphaelites such as John Everett Millais, Édouard Manet’s and Joaquín Sorolla’s impressionist paintings, others gain touch upon the style of surrealism, American pictorialism and aspects of American modernism.

20TH CENTURY MODERNISM 

This section of contains photographs that, far from being direct interpretations of existing works, are inspired by the artistic currents of the 20th century and have become iconic images that emphasize the artistic character of fashion. Surrealism, Cubism, the Bauhaus movement, Abstract Expressionism, American Modernism and Pop Art, are just some of the movements that serve as starting points for the creation of these images.

The exhibition will be open to the public from July 12 to September 15, from Tuesday to Sunday from 10:00 am to 5:00 pm.