Las 3 grandes del Guggenheim Bilbao: Koons, Basquiat, Sikander

Conejo (Rabbit), 1986 Acero inoxidable 104,1 x 48,3 x 30,5 cm Edición 1/3 Museum of Contemporary Art Chicago, donación parcial de Stefan T. Edlis y H. Gael Neeson, 2000.21 © Jeff Koons

No cabe duda que ahora sí el museo Guggenheim de Bilbao nos dejó boquiabiertos pues en su agenda de exposiciones nos presenta tres que resultan extraordinarias tanto por la talla de los artistas como por las piezas exhibidas.

Tres artistas totalmente diferentes entre sí que nos muestran diferentes propuestas; nos hablan de sus maneras tan distintas de percibir la realidad, de realizar sus obras y de su aproximación con los espectadores pero que sin duda los tres causan conmoción y admiración entre nosotros los mortales.

Empecemos por la exhibición de Jeff Koons: Retrospectiva

Comisarios: Scott Rothkopf, Curadores Nancy y Steve Crown, el Director Asociado de programas del Whitney Museum of American Art y Lucía Aguirre, Curadora del Museo Guggenheim Bilbao.

Fechas: 9 de junio – 27 de septiembre, 2015

Patrocinio: Fundación BBVA

La exposición refleja cronológicamente el trabajo de un artista con un estilo inconfundible, que con sus propuestas innovadoras y poco ortodoxas continúa sorprendiendo tanto a la crítica como al público.

Sus obras incluyen conceptos antagónicos como vida y muerte, pasado y presente, sexualidad e inocencia, lujo y austeridad, eterno y efímero, femenino y masculino.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Jeff Koons: retrospectiva, con un completo recorrido por la obra del artista norteamericano Jeff Koons, una de las figuras más prominentes del arte de nuestro tiempo. Esta exposición, organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao y el Centre National d’Art et de culture Georges Pompidou de París, constituye una retrospectiva cronológica y coherente de la producción del artista.

Tulipanes (Tulips), 1995–2004 Acero inoxidable pulido con acabado espejo y con laca de color translúcida 203,2 x 457,2 x 520,7 cm Una de cinco versiones únicas Museo Guggenheim Bilbao © Jeff Koons
Tulipanes (Tulips), 1995–2004
Acero inoxidable pulido con acabado espejo y con laca de color translúcida
203,2 x 457,2 x 520,7 cm
Una de cinco versiones únicas
Museo Guggenheim Bilbao
© Jeff Koons

Jeff Koons ha desarrollado a lo largo de las últimas cuatro décadas un trabajo singular, inconfundible e innovador, que le ha convertido en uno de los principales referentes del arte contemporáneo. Las exposiciones que ha realizado a lo largo de su carrera, con sus inesperadas propuestas, han despertado la sorpresa tanto de la crítica como del público.

Así, se ofrece al público, por primera vez en España, una visión exhaustiva de la obra de un artista que lanza un claro mensaje de autoaceptación, de aprecio por el mundo que nos rodea y de afirmación del ser a través del arte. La muestra refleja, por tanto, la exhortación a vivir y a percibir el mundo como si se tratara de nuestro primer día.

Lo que hace de su arte algo inconfundible:

El arte es para Koons un revulsivo, un motor para el cambio de la sociedad. La falsa apariencia de lujo de algunas de sus obras, que consigue a través de materiales industriales ennoblecidos y la referencia a arquetipos comunes, logran que el espectador se sienta cómodo con su propia historia.

“Me siento increíblemente fuerte cuando creo mis obras. Por eso, para mí el arte es ampliar mis límites en la vida. Y confío en que mi trabajo dé al espectador la posibilidad de abrir su futuro de la misma manera que lo hace a mí”.

 

Algunas obras que resaltan en la exposición:

*Flores hinchables (rosa pequeña, amarilla larga) [Inflatable Flowers (Short Pink, Tall Yellow), 1979] consta de flores masculinas y femeninas— contienen referencias al arte de Donald Judd y, sobre todo, a los espejos de Robert Smithson, que Koons utiliza en estas obras como soportes que multiplican el espacio y la realidad, al tiempo que hacen al espectador partícipe, al aparecer reflejado en la obra.
*Bote salvavidas (Lifeboat, 1985) y Chaleco de buceo Aqualung (Aqualung, 1985). Los objetos parecen inmortales ya que no se desinflan jamás, están llenos de aire y de vida, y sin embargo, el pesado bronce con el que están realizados les impide flotar, lo que les convierte en elementos mortíferos e impide lograr un equilibrio entre la vida y la muerte.
*Michael Jackson y Bubbles (Michael Jackson and Bubbles, 1988) en la que presenta al ídolo musical en una composición piramidal que recuerda a la Piedad de Miguel Ángel, u otras referidas a postales de felicitación comerciales, souvenirs de las tiendas de aeropuerto o de iconografía religiosa.

*Conejo (Rabbit), relacionada a su vez con sus obras de los años setenta. Se trata de un hinchable de acero inoxidable, siempre lleno de aire y en perfecto estado, que constituye un arquetipo con diferentes interpretaciones: eróticas, como el conejo de Playboy, o inocentes, como el infantil conejito de Pascua.
*Dando la bienvenida a todos los visitantes desde la plaza exterior del Museo se encuentra Puppy (1992), una de las obras más icónicas y queridas de Jeff Koons.

La primera versión de este monumental cachorro floral de raza West Highland White Terrier se instaló en 1992, de manera temporal, en el patio del castillo de los Waldeck, ubicado en la ciudad alemana de Bad Arolsen, próxima a Kassel, donde se estaba celebrando la Documenta IX. Aquella versión, que medía once metros, era de madera y fue desmontada al final del proyecto. Posteriormente, Koons creó una versión mayor, con estructura de acero, que se mostró en el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney. En 1997 la pieza fue adquirida para la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao y emplazada, de manera definitiva, ante su edificio.

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La otra exposición de gran importancia para el museo es la del artista también norte americano Jean-Michel Basquiat: Ahora es el momento.

Comisarios: Dieter Buchhart y Álvaro Rodríguez Fominaya (Bilbao)

Fechas: 3 de julio – 1 de noviembre 2015
Patrocinio: Iberdrola

La exposición presenta un centenar de obras clave estructuradas en torno a los temas que le inspiraron a lo largo de su intensa carrera, truncada por su muerte prematura a los 27 años.

Descritas por el propio artista como “el trampolín hacia las verdades más profundas del individuo”, sus obras, poderosas y cargadas de emotividad, abordan temas como la identidad racial o la historia.

La ironía de un policía negro (Irony of a Negro Policeman), 1981. Acrílico y crayón sobre lienzo. 183 x 122 cm
Colección particular
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

A pesar de que la obra de Basquiat se desarrolló exclusivamente a lo largo de la década de 1980, es una de las más destacadas del siglo pasado y presenta un indudable interés en la actualidad por su planteamiento tanto formal como conceptual. Con un estilo único que tiene a la vez algo de jeroglífico y de cómic, de cultura elevada y popular, Basquiat funde imágenes y textos, presentando una visión del mundo reveladora y teñida por el dolor.

Las creaciones de Basquiat son manifiestos contra la desigualdad y el racismo, contra los prejuicios y la discriminación; son alegatos a favor de la libertad, la dignidad y el respeto. Su arte está impregnado de música y poesía, y conviven en él elementos pertenecientes a lo cotidiano con obras clásicas del arte, la literatura y la música; representaciones anatómicas; el mundo del deporte; la historia –sobre todo, la historia de los afroamericanos–; la vida y la muerte…

Durante su corta y precoz carrera, Basquiat no cesó de crear nunca. En una ocasión, cuando le preguntaron acerca de la incesante producción que realizaba, el artista declaró que simplemente no sabía qué otra cosa hacer consigo mismo. Era se forma más próxima para desahogarse, de expresarse, de sentir.

Número 4 (Number 4), 1981 Acrílico, barra de óleo y collage de papel sobre lienzo 167 x 137 cm Colección de Andre Sakhai, cortesía Marianne Boesky Gallery, Nueva York Foto: Jason Wyche © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Número 4 (Number 4), 1981
Acrílico, barra de óleo y collage de papel sobre lienzo. 167 x 137 cm
Colección de Andre Sakhai, cortesía Marianne Boesky Gallery, NY
Foto: Jason Wyche
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

En 1976, Basquiat y su amigo Al Diaz comenzaron a pintar con espray en las paredes del bajo Manhattan bajo el pseudónimo SAMO©, que aludía a la frase “SAMe Old shit”. Sus trabajos manipulaban las palabras con ingenio, con la intención de provocar a quienes los veían. La fama de Basquiat fue creciendo rápidamente; formó una banda de rock, apareció en el film indie de Edo Bertoglio Downtown 81 y entabló amistad con Andy Warhol. Su primera exposición en solitario, se celebró en 1982 cuando sólo tenía 21 años, se vendió por completo.

Fruto de su repentina popularidad comenzó a relacionarse y compartir ideas con celebridades como David Bowie o Madonna, con quien salió durante un breve espacio de tiempo. También apareció en algunos vídeos musicales y protagonizó la portada de la revista del New York Times.

Algunas obras que resaltan en la exposición:

* Busted Atlas 2 (1982), Sin título (1982) y Caballo de raza negra—Jesse Owens (Dark Race Horse—Jesse Owens, 1983). Para Basquiat, estos héroes y santos son guerreros, a veces representados triunfantes con los brazos alzados en señal de victoria. Basquiat desafía la historia occidental creando imágenes que rinden tributo al hombre negro como rey y como santo.

* Adorador del agua (Water- Worshipper, 1984) y Moisés y los egipcios (Moses and the Egyptians, 1982) estas obras exploran la esclavitud y el colonialismo, conectando aquellas persecuciones históricas con prácticas racistas actuales, como la brutalidad policial; al abordar estas historias, Basquiat se convierte en agente de cambio.

* Gana 1.000.000 de dólares (Win $ 1’000’000, 1984) y ¡Peca más! (Sin More !, 1985). En 1984 y 1985 Basquiat y Warhol colaboraron en una serie de obras en las que combinaban sus singulares estilos de serigrafía y pintura, una alianza innovadora y prolífica que supone una décima parte de la producción artística de Basquiat. En un momento en el que la fama y la fortuna adquiridas le hacían difícil cultivar amistades empujándole al aislamiento, Basquiat halló en el veterano artista Andy Warhol una relación de igual a igual, beneficiosa para ambos. Basquiat encontró en su admirado Warhol un confidente y consejero de confianza, y Warhol halló la inspiración a través de la inmensa energía de Basquiat y su exuberante creatividad.

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La tercera exposición en el Guggenheim de Bilbao con la que cerramos este artículo es la de Shahzia Sikander: Paralaje (Parallax)

Fechas: 16 de julio-22 de noviembre, 2015

Comisario: Álvaro Rodríguez Fominaya

Shahzia Sikander, nacida en Pakistán y residente en Nueva York, parte de la tradición indo-persa de la pintura de miniaturas para elaborar una crítica y deconstrucción de la historia contemporánea. Paralaje (Parallax, 2013) es una instalación multicanal formada por cientos de dibujos y gouaches animados digitalmente que la artista creó inspirada en la posición geoestratégica del Estrecho de Ormuz, en el golfo pérsico. En 2012 y 2013, la artista viajo a los Emiratos Árabes para participar en la bienal de arte de Sharjah; allí dibujó múltiples detalles de la tierra, del mar y del desierto que multiplicó de manera digital para crear su obra audiovisual.

Este proyecto explora los conflictos y la tensión por el control de un enclave geográfico por el que pasa la quinta parte del petróleo mundial. Los grandes acontecimientos históricos que conmocionaron los territorios coloniales subyacen en el trabajo de Shahzia Sikander: las batallas navales, la Compañía de las Indias Orientales, la historia de las rutas aéreas y terrestres del imperio británico y comercio marítimo.

Ormuz (Hormuz), 2013 Gouache sobre papel 30,5 x 40,5 cm © Shahzia Sikander. Cortesía de Sikander Studio
Ormuz (Hormuz), 2013
Gouache sobre papel
30,5 x 40,5 cm
© Shahzia Sikander. Cortesía de Sikander Studio

Paralaje (Parallax) viene acompañado de una banda sonora original compuesta por Du Yun, que incluye seis poemas creados específicamente para este vídeo por tres poetas de Sharjah. La poesía ocupa un lugar central en la práctica de la artista paquistaní como medio de introducir múltiples significados en los temas que investiga. Estos poemas en árabe remiten, al mismo tiempo, a lo vernáculo y a lo emocional a través de las sutiles y poderosas composiciones de Du Yun.

Shazia Sikander ha sido pionera en la incorporación de la pintura en miniatura al arte contemporáneo y sus trabajos han permitido resurgir y visibilizar esta técnica milenaria. La artista paquistaní realizó su primera obra videográfica en 2001 tras dedicarse al dibujo durante años. Utiliza la animación como herramienta para incorporar tiempo y sonido a algunos de sus proyectos en vídeo; en otras obras emplea el lenguaje del documental como recurso para amplificar su discurso crítico.

http://www.guggenheim-bilbao.es

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